regia di Ilaria Freccia, con Marina Abramović, Fabio Sargentini, Lia Rumma, Tucci Rosso, Lucio Amelio, Peppe Morra, Germano Celant, Achille Bonito Oliva

2020, Italia, 83', documentario

“La rivoluzione siamo noi” è una frase utilizzata dall’artista Joseph Beuys per riferirsi a quel movimento che comportò l’uscita dell’arte dai musei e dalle situazioni più istituzionali nel nome di una creatività artistica che coinvolgesse la gente nelle strade e nelle piazze. Non più solo dipinti e sculture, ma performance, istallazioni e azioni che coinvolgevano il pubblico. Sono i dieci anni dal 1967 al 1977 e Ilaria Freccia li ricostruisce con materiali d’archivio ma anche con interviste agli artisti stessi, ai galleristi che spesso erano dietro queste azioni spettacolari e inconsuete e ai critici che vissero e scrissero di quegli artisti e del loro nuovo operare. Il documentario è stato scritto insieme al critico d’arte Ludovico Pratesi.

Ilaria Freccia è regista e produttrice, ma anche film maker e fotografa. Ha lavorato con la compagnia teatrale Mabu Mines a New York e ha realizzato documentari per H.B.O. I suoi lavori hanno ottenuto premi nazionali e internazionali. Sta sviluppando il lungometraggio Wildfire e la serie A Priceless Gift: vita e morte di Jane Stanford.

regia di Luis Buñuel, soggetto e sceneggiatura Luis Buñuel e Salvador Dalí, con Pierre Batcheff, Simone Mareuil, Luis Buñuel, Salvador Dalí

1929, Francia, 16', grottesco - Visione consigliata a un pubblico adulto

Il cortometraggio, che non ha un tessuto narrativo tradizionale, si apre con una delle scene più famose e agghiaccianti della storia del cinema: la lama di un rasoio taglia l’occhio di una donna intenta a osservare un romantico chiaro di luna. Si susseguono poi immagini ricche di allusioni a un desiderio sessuale tanto forte quanto represso. Tali immagini sembrano affondare in un inconscio inafferrabile portato alla luce proprio dalla poetica surrealista dell’opera. David Bowie utilizzò quest’opera in un suo tour.

Luis Buñuel nacque in Spagna nel 1900 e morì in Messico nel 1983. Educato in un collegio di gesuiti a Saragozza, si dichiarò poi “profondamente e coscienziosamente ateo” sostenendo di non essere interessato a Dio ma agli uomini. Frequentò, tra gli altri, Federico García Lorca e Salvador Dalí, con il quale scrisse i suoi primi film. Nel 1925 si trasferisce a Parigi, dove gira Un chien andalou. Tornato di nuovo in Spagna, in seguito alla sconfitta della Repubblica Spagnola si sposta negli Stati Uniti e nel 1940 in Messico. Con I figli della violenza riceve il gran premio della giuria al Festival di Cannes 1951, mentre dieci anni dopo ottiene la Palma d’Oro con Viridiana. Vince il Leone d’argento con Intolleranza: Simon del deserto, il Leone d’oro nel 1967 con Bella di giorno e l’Oscar quale miglior film straniero con Il fascino discreto della borghesia. Nel 1977 gira Quell’oscuro oggetto del desiderio, il suo ultimo film.

regia di Luis Buñuel, sceneggiatura Luis Buñuel e Jean-Claude Carrière, con Catherine Deneuve, Michel Piccoli, Geneviève Page, Georges Marchal, Jean Sorel, Pierre Clémenti, Françoise Fabian

1967, Francia, 95’, drammatico V.M. 14

Tratto dal romanzo di Joseph Kessel del 1929, il film racconta l’inquietudine di Séverine che, moglie di un medico affermato e con una vita decisamente agiata, trova rimedio alla sua angoscia andando a prostituirsi in una casa d’appuntamenti. Per un certo periodo Séverine riesce a tenere nettamente separate le sue due vite di moglie tanto educata quanto frigida e di prostituta estremamente gettonata, ma poi il gioco si fa pericoloso e le conseguenze saranno inevitabili.

Luis Buñuel nel 1925 si trasferisce a Parigi, dove gira Un chien andalou. Tornato di nuovo in Spagna, in seguito alla sconfitta della Repubblica Spagnola si sposta negli Stati Uniti e nel 1940 in Messico. Con I figli della violenza riceve il gran premio della giuria al Festival di Cannes 1951, mentre dieci anni dopo ottiene la Palma d’Oro con Viridiana. Vince il Leone d’argento con Intolleranza: Simon del deserto, il Leone d’oro nel 1967 con Bella di giorno e l’Oscar quale miglior film straniero con Il fascino discreto della borghesia. Nel 1977 gira Quell’oscuro oggetto del desiderio, il suo ultimo film.

regia di Michelangelo Antonioni, con Monica Vitti, Richard Harris, Carlo Chionetti, Xenia Valderi

1964, Italia, Francia, 117', drammatico V.M.14

In seguito a un incidente d’auto Giuliana entra in uno stato di depressione profonda. L’ambiente in cui vive, una Ravenna completamente industrializzata, non migliora certo la situazione. Solo Corrado, amico e collega del marito, sembra poterle offrire aiuto. Si tratta, però, di un’illusione: anche Corrado, con cui Giuliana intreccerà una relazione, nasconde con continui viaggi di lavoro una profonda incapacità di adattamento alla realtà che lo circonda. Ma si tratta solo di un palliativo.

Michelangelo Antonioni, frequenta il Centro Sperimentale di Cinematografia. Già negli anni Quaranta scrive sulla rivista “Cinema”, poi collabora con personalità come Rossellini e Visconti e suo è il soggetto del primo film di Fellini, Lo sceicco bianco. Dopo Cronaca di un amore (1950) realizza alcuni dei film che caratterizzano la cultura cinematografica italiana con la loro ricerca su temi come l’incomunicabilità e il disagio esistenziale. Il deserto rosso, il suo primo film a colori, in cui per la prima volta collabora con il direttore della fotografia Carlo Di Palma, ottiene il Leone d’Oro alla Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia del 1964 e il Nastro d’argento per la miglior fotografia. Tra 2015 e 2016 a Roma si è tenuta una mostra di tele dipinte da Michelangelo Antonioni che all’attività di regista cinematografico ha accostato anche quella di pittore.

regia di Mario Schifano, con Alexandra Steward, Adriano Aprà, Carmelo Bene, Rada Rassimov, Mich Jagger, Keith Richards, Sandro Penna, Alberto Moravia, Giovanni Rosselli, Franco Angeli, Maurizio Calvesi

1969, Italia, 98’, drammatico

Il film si compone di situazioni diverse unite dal comune sottofondo sonoro di un battito cardiaco. Così vediamo un uomo che lacera lo schermo cinematografico su cui è proiettato un film di Godard, una manifestazione in piazza Colonna, un giovane che vorrebbe far l’amore con la compagna senza riuscirci, immagini dello scrittore Alberto Moravia, del poeta Sandro Penna, un artista che costruisce una grande falce e martello come un’opera di land art. Il film fu prodotto dalla Mount Street Film, casa fondata da Anita Pallenberg, Mick Jagger e Keith Richards. In seguito a contrasti con Mario Schifano, però, gli ultimi due lasciarono il progetto.

Mario Schifano nasce in Libia nel 1934 e giunge a Roma al termine della guerra. Nel 1959 espone tele che, con il loro spessore materico, guardano alla pittura informale, mentre nel 1960 le sue opere figurano insieme a quelle di Franco Angeli, Tano Festa, Francesco Lo Savio e Giuseppe Uncini. Dopo che nel 1962 alcune sue tele sono esposte a New York, Schifano fa un viaggio in America e conosce così la Pop Art. Negli anni successivi le immagini dei mass media sono per lui materia di ispirazione. Nascono così le opere cinematografiche Anna Carini vista in agosto dalle farfalle, Satellite e Umano non umano. Negli anni Settata l’immagine televisiva diventa protagonista delle sue tele. Schifano partecipa a importanti mostre organizzate da Achille Bonito Oliva, Maurizio Calvesi e Germano Celant. Muore a Roma nel 1998.

regia di Pietro Marcello, con Luca Marinelli, Carlo Cecchi, Jessica Cressy, Vincenzo Nemolato, Marco Leonardi, Maurizio Donadoni, Chiara Francini, Aniello Arena, Giordano Bruno Guerri

2019, Italia, Francia, 129’, drammatico, sentimentale, storico 

Il film si ispira liberamente al romanzo di Jack London e ne sposta la vicenda da Oackland a Napoli. Martin Eden è un marinaio che salva il giovane Arturo Orsini da un’aggressione e, per riconoscenza, è accolto dalla di lui famiglia nonostante la diversa estrazione sociale. Conosce così Elena, la sorella di Arturo, e se ne innamora. Nel tentativo di essere all’altezza della ragazza, Martin cerca di darsi quell’istruzione che non ha mai avuto la possibilità di avere. Capisce, così, che il suo talento e la sua passione sono la scrittura. Il problema è che non è facile vivere scrivendo. Almeno all’inizio.

Pietro Marcello si forma all’Accademia di Belle Arti di Napoli, dove studia pittura. Fin dall’inizio si dedica al genere documentaristico. Realizza Il tempo dei magliari, documentario radiofonico per Radio 3, vince al Festival Libero Bizzarri del 2004 con Il cantiere e, l’anno successivo, gira La baracca, sulla figura di un senzatetto del centro storico di Napoli. Nel 2007 realizza Il passaggio della linea, sui treni notturni d’Italia. È con il successivo La bocca del lupo che vince il Torino Film Festival, il Nastro d’argento e il David di Donatello. Martin Eden è il suo secondo lungometraggio ed è stato presentato alla 76° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, dove il protagonista Luca Marinelli ha vinto la Coppa Volpi quale miglior interprete maschile

regia di Matthew Akers e Jeff Dupre, con Marina Abramović, Ulay, Klaus Biesenbach

2012, USA, 106', documentario

Il documentario racconta la preparazione e lo svolgimento di The artist is present, performance di Marina Abramović che si è tenuta al Museum of Modern Art (MOMA) di New York nella primavera 2010 con una durata di oltre 700 ore. Questa performance prevede che l’artista rimanga seduta a un tavolo e, per un certo tempo, fissi negli occhi la persona che di volta in volta si siede di fronte a lei. La “presenza” qui non è più un concetto astratto ma comporta un sentire reale. 

Marina Abramović nasce a Belgrado nel 1946. Al 1974 risale la sua prima performance in Italia. Due anni dopo si trasferisce ad Amsterdam e inizia la relazione con il performer tedesco Ulay che, compagno nella vita, condividerà gran parte del suo percorso artistico. Insieme creeranno performance memorabili come Rest Energy, del 1980, in cui Ulay trattiene la corda di un arco la cui freccia è puntata al cuore della Abramović, oppure Imponderabilia, presentata a Bologna nel 1977, in cui i due sono nudi uno di fronte all’altra ai due lati di uno strettissimo passaggio da cui transita il pubblico. Nel 1997, con Balkan Baroque, Marina Abramović vince il Leone d’Oro alla Biennale di Venezia.

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Il documentario MARINA ABRAMOVIĆ THE ARTIST IS PRESENT è codiretto da Matthew Akers e Jeff Dupre. Presentiamo qui la biografia di Marina Abramović in quanto autrice della performance oggetto del documentario

regia di Lech Majewski, con Claudine Spiteri, Chris Nightingale, Barry Chipperfield, Maria Novella Martinoli

2004, Regno Unito, Italia, Polonia, 103’, drammatico

Tratto dal romanzo Metaphysics di Lech Majewski, il film racconta della storica dell’arte Claudine e del suo compagno Chris, ingegnere navale. Alla notizia della malattia incurabile di lei, i due decidono di trasferirsi a Venezia. Qui Claudine cerca di costruire attorno a sé il mondo di Il giardino delle delizie di Hieronymus Bosh, il luogo dei piaceri, “il luogo”, dice Claudine, “dove tutto è concesso”.

Lech Majewski è scrittore, pittore e regista nato in Polonia nel 1953 ed emigrato in occidente negli anni Ottanta. Nel 2006 il Museum of Modern Art di New York ha presentato una retrospettiva completa dei suoi film. Se Il giardino delle delizie si ispira al dipinto di Hieronymus Bosch che ha lo stesso titolo, a Pieter Bruegel guarda I colori della passione con Rutger Hauer, Charlotte Rampling e Michael York.

regia di Federico Fellini con Marcello Mastroianni, Anita Ekberg, Anouk Aimée, Yvonne Fourneaux, Alain Cuny

1960, Italia Francia, 180’, drammatico [V.M.14]

Un viaggio nella Roma mondana del 1960. Il giornalista Marcello, con il fotoreporter Paparazzo, documenta la vita della capitale tra feste, miracoli, scandali e tragedie personali. Il racconto si compone di episodi narrativamente indipendenti che, insieme, compongono un affresco di grandissimo impatto. Palma d’Oro a Cannes, questo film è stato un successo planetario e motivo di scandalo al punto che dai pulpiti di molte chiese si levava l’invito a evitarne la visione. In tutto il mondo il nome di Paparazzo è diventato termine comune per indicare il fotografo d’assalto.

Federico Fellini, nato a Rimini nel 1920 e morto a Roma nel 1993, è uno dei più noti e importanti registi italiani. I suoi film La strada, Le notti di Cabiria, 8 ½ e Amarcord hanno vinto l’Oscar come miglior film straniero, mentre nel 1993 gli è stato dato l’Oscar alla carriera. Federico Fellini dirige il suo primo film dopo una lunga esperienza nel mondo dello spettacolo come sceneggiatore, autore radiofonico e autore di gag, nonché dopo l’importante attività di disegnatore per la più importante rivista satirica italiana del momento, il Marc’Aurelio.

regia di Ruben Östlund, con Claes Bang, Elisabeth Moss, Dominic West, Terry Notary, Christopher Læssø

2017, Germania, Svezia, Francia, Danimarca, 142’, drammatico, commedia

Christian è l’importante direttore di un museo di arte contemporanea di Stoccolma. Affascinante e inserito nel mondo che conta, Christian è in procinto di organizzare una mostra il cui elemento fondamentale è la creazione di uno spazio performativo molto particolare. Si tratta di un quadrato semplicemente delineato sul pavimento. I visitatori, che varcandone il tracciato diventano protagonisti della performance, sono chiamati a gesti di altruismo verso chi gli è vicino. In poche parole, devono aiutare il “prossimo”. Tutto questo, però, si scontra con l’esistenza stessa di Christian, ne mette in luce le profonde contraddizioni e getta lo stesso Christian in un caos da cui sarà molto difficile uscire.

Ruben Östlund ha frequentato la scuola di cinema di Göteborg. Il suo documentario Familj igen (2002) racconta la separazione dei genitori e, con una durata di circa un’ora, ha solo ventuno tagli di montaggio. Anche nelle opere successive a uno sguardo estremamente lucido si accompagna una fortissima ricerca formale. Forza maggiore (2014) ha vinto nella sezione “Un certain regard” al Festival di Cannes 2014, mentre nel 2017 The square ha vinto la Palma d’Oro.

regia di Wong Kar-wai, con Maggie Cheung, Tony Leung Chiu-Wai, Rebecca Pan

2000, Hong Kong, Cina, 98’  Il film è ispirato al romanzo Un incontro dello scrittore Liu Yichang ed è ambientato a Hong Kong negli anni Sessanta del Novecento. Qui, infatti, si incontrano Chow Mo-wan e Su Li-zhen, che, lo stesso giorno, vanno ad abitare nel medesimo condominio. Entrambi sono già sposati, ma proprio i loro rispettivi coniugi, uniti da una relazione clandestina, gli danno motivo di frequentarsi e conoscersi. Tra i due nasce a poco a poco un sentimento che va oltre la semplice amicizia. E di questo sembrano accorgersene anche gli altri, al punto che Chow Mo-wan e Su Li-zhen, per sfuggire allo sguardo dei vicini, si troveranno in una stanza d’albergo. Il loro sentimento, però, non si concretizzerà mai in un tradimento dei loro, pur infedeli, coniugi. E questo segnerà la loro vita per sempre. 

Wong Kar-wai è un regista e sceneggiatore caratterizzato da una fortissima originalità di linguaggio. La sua formazione avviene ad Hong Kong dove, nel 1980, consegue il diploma di design grafico. E sempre a Hong Kong prende l’avvio la sua carriera cinematografica. Dopo avere lavorato in televisione, infatti, nel 1988 realizza As tears go by, che ottiene subito un grande successo di pubblico. Proprio il rapporto con il pubblico, però, in seguito si rivelerà incostante. Lo sperimentalismo formale del regista talvolta troverà soprattutto consenso di critica e questo lo imporrà all’attenzione anche dei festival internazionali. Nel 2004 Wong Kar-wai presenterà al Festival di Cannes il film 2046, che si riconnette tematicamente a In the Mood for Love e che è ambientato l’anno prima della riannessione di Hong Kong alla Cina.